HISTORIA DEL ARTE

HAPPENING

Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.

El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

Principales Referentes:

Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor, Joseph Beuys, George Brecht, Bazon Brock, Jim Dine, Red Grooms, Al Hansen, Roy Lichtenstein, Youri Messen-Jaschin, Marta Minujín, Claes Oldenburg, Yōko Ono, Robert Rauschenberg, Wolf Vostell y Robert Whitman, Charlotte Moorman, Marta Minujín.

PERFORMANCE:

Performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.

El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck yTristan Tzara. 

Principales artistas de performance

Alan Abel, Marina Abramovic, Laurie Anderson, Joseph Beuys, George Breelit, Alexander Brener, Stuart Brisley, Günther Brus, Chris Burden

INSTALACIÓN:

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.

Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico. La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.

Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.

Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.

Principales artistas: Marina Abramović, Lara Almarcegui, Txomin Badiola, Mirosław Bałka, Vanessa Beecroft, Lee Bul, Daniel Buren, Daniel Canogar, Christo y Jeanne-Claude, Maurizio Collini, Jordi Colomer

FLUXUS

La denominación fue acuñada por George Maciunas en 1962. Su raíz proviene del latín flux que significa flujo, diarrea. Se trata de un movimiento artístico imparable hacia un empeño más ético que estético. Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“. 

La experiencia artística, obra o evento, da ocasión para lograr una presencia y un signo de energía en el ámbito de la realidad. De este modo, Fluxus actúa como frente móvil de personas y no como un grupo cualificado de especialistas, que más que la táctica de experimentación de nuevos lenguajes, persigue la estrategia del contagio social, la posibilidad de crear una serie de reacciones en cadena, ondas magnéticas por debajo y por encima del arte. Maciunas escibe:"Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial, abstracto y matemático".

Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Filiou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready Made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. 

Esta manifestación tiene ramificaciones en Alemania, con Vostell, Nam June Paik, Beuys, Dieter Roth; en Francia, con Be Vautier, Le Mont Young, Filiou; en Italia, con Marchetti; Estados Unidos, con Dick Higgins, Robert Watts, Cage e George Brecht, así como en Japón, Holanda, Canadá y España. La primera manifestación colectiva, “Fluxus Internationale Festspiele“, tuvo lugar en Wiesbaden, en septiembre de 1962.

*Textos:

Lamonte Young, Antology of. 1963 Citado en G.C.Argán; El arte moderno. Ed. Akal. Madrid, 1992. Págs. 77-80colectiva, “Fluxus Internationale Festspiele“, tuvo lugar en Wiesbaden, en septiembre de 1962.


Los artistas más destacados de Fluxus son:

George Maciunas:

Escribe: "Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial, abstracto y matemático"
Fue un artista américano, conocido por ser fundador y miembro del grupo fluxus. En 1960 Maciunas inició una galería de arte en 925 Madison Avenue en Nueva York que se convirtió en un lugar de encuentro para la gente de Fluxus. Maciunas y el movimiento Fluxus atrajo a jóvenes artistas japoneses como Yoko Ono. Ella y Maciunas se hicieron buenos amigos. En 1970 George Maciunas fue invitado por Yoko Ono para pintar y decorar el apartamento de John Lennon en la "Dakota" de construcción en Nueva York.

Maciunas 'Fluxus Manifiesto, las copias de los cuales fueron lanzados al público en el Fluxus Festum Fluxorum, Düsseldorf, febrero de 1963. 

Flujo de caja Año 2, c.1966, un cuadro de flujo editado y producido por George Maciunas, con obras de muchos de los primeros artistas de Fluxus.

Robert Filliou 

Para él, Fluxus es: "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine"

Robert Filliou nace el 17 de enero de 1926 en Sauve, Francia.
Hacia 1960, comienza su actividad artística, junto a Daniel Spoerri. En 1961 exhibe en Copenhague sus primeros poemas transcriptos al pastel en papel embalaje e interpreta el "Poema de 53 Kilos". Los "Poemas en Suspenso" del mismo período participan del Principio de Economía Poética concebido por Filliou como una teoría de las implicaciones sociales del arte. En 1962 conoce a George Maciunas y se integra al Fluxus Art participando activamente de los eventos y realizaciones del movimiento junto a George Brecht, La Monte Young, Ben, P. A. Gette y muchos otros. Expone, viaja, publica libros asiduamente, filma videos y distribuye su tiempo entre Canadá y Alemania en donde da curso a su vocación docente sobre todo en la Academia de Arte de Hamburgo.

En 1984 realiza una gran exposición retrospectiva en Hannover, Berna y París que le consagra como uno de los más grandes artistas del siglo XX. Su obra ha sido comparada con la de los grandes precursores como Rousssel, Duchamp, Marinetti, Schwitters y Cage que han cuestionado radicalmente los fundamentos de la creación artística proponiendo la mayor desarticulación y desorden posibles en el arte. 

Este es un poema paradigmático de Filliou:

EL FILLIOU IDEAL:

Este es un poema de acción y voy a presentarlo:

no decidir nada

no elegir nada

no querer nada

no poseer nada

completamente despierto

TRANQUILAMENTE SENTADO SIN HACER NADA.

Este poema, de índole autorreferencial, es de inspiración Zen y fue interpretado por Filliou en el Café Gogo de Nueva York el 8 de febrero de 1965 junto a la artista Fluxus, Alison Knowles.

Nam June Paik 

Conocido como el padre del video arte, Paik integró el movimiento Fluxus, fundado por George Maciunas. Esas preocupaciones artísticas de Paik eran también las del movimiento -del que, entre otros, participaron Wolf Vostell, Joseph Beuys, Alan Kaprow, John Cage y Yoko Ono- que buscaba un dejar fluir de la vida cotidiana para resignificarla como obra de arte. Se inspiró en el compositor John Cage y el uso de sonidos cotidianos y los ruidos en su música.

Hizo su debut en una exposición conocida como Exposición de Música Electrónica-Televisión, en la que se dispersa por todas partes y televisores utilizan imanes para alterar o distorsionar las imágenes. En 1964, Paik se trasladó a Nueva York, y comenzó a trabajar con la clásica violonchelista Charlotte Moorman, de combinar su video, música y performance. En la obra TV Cello, el par de televisores apilados encima uno del otro, de modo que forman la forma de un violonchelo real. Cuando Moorman señaló a su arco a través del "cello", imágenes de ella y otros violonchelistas de juego apareció en las pantallas.

Su mayor proyecto fue "El abrigo alrededor del Mundo", diseñado para los Juegos Olímpicos de 1988 en Seúl, Corea. Allí se montó un gigante de los medios-torre en forma de pastel de cumpleaños, llamado "El más mejor " y se utiliza 1.003 monitores de televisión para una presentación ininterrumpida de imágenes de vídeo-arte y las actuaciones de percusionistas de Corea y los artistas internacionales: Laurie Anderson, David Bowie, Merce Cunningham, Sergei Kuryokhin entre otros. Nam June Paik se le atribuye la creación del término "supercarretera electrónica" en 1974 su informe, encargado por la Fundación Rockefeller.

En los años 90, cuando la "superautopista de la información" se convirtió en una frase caliente, comentó: "Bill Clinton robó mi idea." En 1996, Paik fue desactivado después de sufrir un derrame cerebral, y estaba en una silla de ruedas durante diez años en su vida posterior, pero su energía y su inteligencia eran tan productiva como siempre. Él era un miembro muy creativa de la sociedad, un artista experimental de provocación y pensador cuyas ideas y actuaciones hizo un profundo efecto en el arte del vídeo y la televisión. Sus obras se conservan en colecciones de museos de todo el mundo.

Nam June Paik, murió el 29 de enero de 2006 en Miami Beach, Florida, EE.UU.

"TV Cello", Cellist Charlotte Moorman

  

ACTION PAINTING.   

        

Jean Raine ejecutando Pintura de Acción en 1972.

Action painting (en español «Pintura de Acción») es una técnica pictórica, así como el nombre del movimiento pictórico que la usa. Surge en el siglo XX dentro de la pintura no figurativa. Intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones tales como el movimiento, la velocidad, la energía. Son muy importantes el color y los materiales no específicamente pictóricos con que se trabaja (arena, alambre...) para conseguir una superficie peculiar en la superficie del cuadro.

Con este nombre de Action painting se conoce también a la corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto que utilizan la técnica del action painting. Aunque el término action painting fue utilizado por el crítico Harold Rosenberg en 1952, se había empleado con anterioridad. Así, en el Berlín de 1919, y en América hacia 1929, para designar las primeras composiciones abstractas de Kandinsky.

Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un «espacio de acción» y no en la mera reproducción de la realidad. A veces se utiliza incorrectamente como sinónimo del propio expresionismo abstracto, aun cuando muchos de los artistas pertenecientes a esta escuela jamás emplearon dicha técnica.

En esta técnica, el principal elemento es la acción o movimiento por parte del pintor con relación al aspecto físico de la pintura, en conjunto con la superficie donde trabaja, por esta razón la principal pintura a utilizar en esta técnica es la pintura acrílica. La pintura es derramada de forma sistemática, ingenua o espontánea por parte del artista, cuando va creando su obra y de esta forma plasma sus ideas y conceptos abstractos en gran parte, debido al resultado en consecuencia de la técnica. Con la pintura acrílica es muy práctica la forma de acción, dejando caer o gotear el líquido de cada color sobre la superficie.

El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson. Sin embargo, la diferencia real entre ambos movimientos no es tanto la técnica como el planteamiento inicial: bajo la influencia del psicoanálisis freudiano, los realistas mantenían que el arte automático era capaz de desbloquear y sacar a la luz la mente inconsciente.

El action painter por antonomasia es Jackson Pollock (1912-1956). Destacó especialmente en el uso del dripping, esto es, el goteo de la pintura como técnica, y quien más luego prolongó la pintura de acción al movimiento de Expresionismo abstracto.

No obstante, hubo otros artistas que trabajaron en esta misma línea, destacadamente, Willem de Kooning y Franz Kline, con pinturas abstractas y vigorosas.

Willem de Kooning (1904-1997) realiza obras más figurativas que las de Pollock, siendo algo intermedio entre la figuración y la abstracción, es gestual y representativo a la vez. Su serie de obras más conocidas es Mujeres, iniciada en 1950.

La action painting fue la tendencia que más influyó en la segunda generación del expresionismo abstracto y en muchos pintores contemporáneos europeos.

Pintores de esta corriente

Norman Bluhm, Sam Francis, Franz Kline, Willem de Kooning, Albert Kotin, José Guerrero, Lee Krasner, Alfred Leslie, Joan Mitchell, Jackson Pollock, Jack Tworkov, Norman Lowell, Laurent Jiménez-Balaguer, Modesto Ciruelos,Yanny Ippoliti, Esteban Vicente